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martes, 19 de noviembre de 2013

Let it rain. Diana Krall

Con dos semanas de retraso sobre el refrán y casi dos semanas antes de San Andrés, (1), ha llegado la nieve a las montañas de Castilla y a toda España lluvia. Como en Madrid el pasado domingo, en que llovió mansamente, con cierta pereza pero sin parar todo el día, viniendo a templar algo las frías temperaturas de los dos días anteriores.

¡Deja que llueva!, ¡deja que llueva!, sentía el buzo que susurraba el día, como Let it Rain, la vieja canción rescatada por Diana Krall en su último disco, Glad Rag Roll, editado a finales del año pasado.


En él, Diana Krall se aleja de lo que ha sido su pauta habitual de rehacer, interpretar y poner su inconfundible estilo en los stándares más conocidos de la música popular americana, para adentrarse en un mundo personal e intransferible: vérselas con los viejos discos y partituras del desván familiar, temas y artistas que escucharon sus padres y sus abuelos y, también, ella misma de pequeña. Viejas canciones de los años veinte y treinta: blues blanco, country, música de variedades… que Diana Krall recupera y nos ofrece, en su peculiar estilo de jazz, en el siglo XXI.(2).

Hay que reconocer que hace falta valor para atreverse en 2012 con una canción como Let it Rain, compuesta por unos desconocidos Dyson y Kendis, que interpretó Gene Austin, (compositor y cantante de grandísimo éxito en los años veinte y treinta y calificado por muchos como el primer crooner de la historia), en un estilo propio de música de variedades  y con una letra, en principio, bastante cursi.

Pues Diana Krall lo hace y se produce el milagro. La canción se convierte en una especie de country-jazz lento y contenido, muy piano y sin estridencias, dejando que surja de forma natural la magia de la música y que los versos pasen a volver a tener justo el significado exacto y desnudo que tienen las palabras, quedando ahuyentados los prejuicios y la cursilería con que se entiende la canción, en su versión vaudeville, que es como sonaba en la voz de Gene Austin.

Así comienza la canción y suenan los versos:

The angels are crying, they are shedding their tears,
that's why the rain falls from the sky.

Se hace el milagro, la música de Let it Rain comienza a fluir con piano, guitarras y la voz, la sabia voz de Diana Krall. Y el estribillo

Let it rain, let it rain, let it rain,

se va a quedar con nosotros para identificar a una nueva y mítica canción de lluvia para el futuro. Desde el pasado - hace más de ochenta años hasta hoy - para el futuro.

(1) El refrán "Por Los Santos, la nieve en los altos y por San Andrés, en los pies", hace alusión a las primeras nieves del año.
(2) Ver por ejemplo el artículo sobre Glad Rag Doll en Allaboutjazz.com.


martes, 27 de agosto de 2013

Diana Krall en Madrid

El 25 de julio la temperatura (real) en Madrid alcanzó los 37 C. Un día muy caluroso. Diana Krall salió con su grupo poco después de las nueve y media al escenario del Circo Price, de acústica y tamaño ideales para su actuación.

Al buzo le sorprendieron los instrumentos en el escenario. Habían desaparecido  las guitarras de jazz y, en su lugar, había, por un lado, guitarras acústicas, mandolina y violines y, por otro, guitarras eléctricas cañeras. Y, además, un segundo teclado electrónico. Después fue viendo cómo, junto al sonido de  la Diana Krall elegante y clásico de siempre, iban surgiendo otros dos estilos con las nuevas canciones de los dos últimos discos.


El primero con un sonido duro y desgarrado a veces, con guitarras eléctricas secas, planas, de notas largas y sin reverberación; con el contrabajo y la batería muy presentes. Hay apareció Temptation, una canción inimaginable para Diana Krall hasta no oírla. Extraña canción de Tom Waits con una gran letra y en la que, en la interpretación que oímos, el contrabajo y la batería estaban siempre en un primer plano con un solo de guitarra durísimo y en el que la voz de la cantante se arrastró formidablemente en el estribillo, oh, temptation, temptation, I can't resist.

En este estilo está también otro descubrimiento, Lonely avenue, la gran canción que Doc Pomus escribió en su día para Ray Charles. Un blues tristísimo que suena perfecto en la voz de Krall y que no desmerece  ni la versión original ni la posterior que hiciera en su día Van Morrison.


El “nuevo” segundo estilo es más acústico tirando, a veces, a un cierto country evolucionado y, otras, a un sonido honky tonk. Podríamos mencionar varias canciones pero me quedo, en este caso, con la maravilla de Let it rain, lentísima y tan sentida que hace buena una letra que podría resultar empalagosa.  

A decir de algunos críticos Diana Krall estuvo, además, simpática y distendida, lo que por lo visto no había pasado en anteriores actuaciones en que se le achacaba estiramiento y frialdad. O sea, demasiado cool en su papel de diva cool del jazz.

Sea como fuere  demostró que hoy por hoy, Diana Krall no tiene rival en su estilo. Un jazz tranquilo, melódico y convencional, que sin embargo sigue descubriendo para su estilo nuevas canciones para convertirlas en standards y que – eppur si muove - no deja de evolucionar. A mejor.
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sábado, 19 de mayo de 2012

Where or when


Vamos a olvidarnos de la casquería, (ver nota) con una canción sofisticada y elegante. Where or When es una canción del Musical Babes in Arms de Rodgers y Hart de 1937, ( musical en el que también estaban las canciones My Funny Valentine y The Lady is a Tramp). Dos años después se realizó una película, dirigida por Busby Berkeley y protagonizada por Judy Garland y Mickey Rooney. Where or When se convierte definitivamente en un exitoso estandar que pasa, también al jazz, siendo grabado sobre todo por decenas de cantantes, pero también por numerosos artistas y orquestas hasta el día de hoy.


Musicalmente es una canción elegante y dramática, con una melodía un tanto monótona que se resuelve al final de cada estrofa con una, hasta ese momento sin precedentes, subida de una octava y cuarta en dos pasos, muy original, que resulta muy lucida para cantantes y orquestas y que es el distintivo musical de la canción.


La letra de Lorenz Hart, que tiene un punto enigmático y quizás alcoholico, es eficaz, sorprendentemente moderna y más si se tiene en cuenta el año de composición. Es una mezcla de lo irresistible del amor junto con, sobre todo, la sensación de deja-vu, aburrimiento o intuición profunda sobre el tiempo pasado y el presente, sobre como el pasado puede estar contenido en el tiempo presente:

Some things that happened for the first time,
Seem to be happening again.
And so it seems that we have met before
and laughed before
and loved before,
But who knows where or when.




Sólo un año antes T.S. Elliot, el poeta más influyente del siglo XX, había publicado Burnt Norton, el primero de sus Cuatro Cuartetos, aquel que comienza con:

Time present and time past
Are both perhaps present in time future,
And time future contained in time past.
If all time is eternally present
All time is unredeemable.





Diana Krall. Concierto en Colonia. 2009.
(De Wikipedia)

Entre cantantes masculinos que han versioneado Where or When se pueden mencionar: Toni Bennet, Andy Williams y los Ratpack (Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin) y, ya más modernos, Rod Steward, Brian Ferry y Harry Connick Jr, este último con una versión casi a capella, lentísima que se puede escuchar en la banda sonora de Cuando Harry encontró a Sally, (que es esa película en la que Sally-Meg Ryan, le demuestra, en una cafetería, a Harry-Billy Cristal como se puede simular muy ruidosamente un orgasmo). Cantantes femeninas: muchas. Mencionemos a Lena Horne, Ella Fitzgerald, Peggy Lee y  Diana Krall, (ésta con una versión muy arrastrada pero muy potente), entre cantantes más modernas. Curiosamente Where or When tuvo una epoca bastante gloriosa a principios de los 60 en que fue grabada por conjuntos de dowap y otros conjuntos vocales como Dion y los Belmonts, los Lettermen y las Supremes.




También ha sido una canción muy de pianistas: Art Tatum, Errol Gardner y Oscar Peterson, entre otros. Fue versioneada por grandes orquestas de jazz como las de Artie Shaw, Stan Kenton y Woody Herrman; pero también por orquestas de música ambiental como las de Percy Faith, Bert Kaempfert y Ray Conniff. En pequeños grupos se deben destacar las versiones de Ben Webster, Milt Buckner, Sonny Rollins o Benny Goodman en versión cuarteto con con los magníficos Teddy Wilson al piano y Gene Krupa a la batería y la gran voz de Peggy LeeEs una de mis canciones de cabecera. Espero que les guste.


Nota
En los inicios de La perplejidad del buzo,las secciones musicales no eran independientes y estaban junto con otros contenidos. En concreto estos comentarios sobre Where or when estaban incluidos en la entrada de título Malas noticias de 10 de diciembre de 2009.Creo que es mejor que estén separadas. Poco a poco se irán independizando esas partes musicales de las entradas antiguas.



lunes, 9 de abril de 2012

How can you mend a broken heart (Robin y Barry Gibb).1970

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Cuando compré el ultimo disco de Diana Krall, (Quiet Nights),me sorprendió ver esta canción de los Bee Gees, "How Can You Mend a Broken Heart", y me trasladó, ¡dios mío!, mas de treinta años atrás, cuando el LP Trafalgar era el preferido para las canciones lentas de los guateques. Estaba esta canción y también (y mas todavía) "Don't Wanna Live Inside My Self", que eran de las de arrimar a tope. Y he aquí que más de treinta años después está, convertido en estandar, en el repertorio de la divina Diana Krall.



La canción la compusieron Robin (cantante, 
era el más delgadito del grupo) y Barry (guitarrista y cantante, el de barba y más melena), en 1970, después de la primera separación del grupo. Parece ser que en principio la habían compuesto para Andy Williams (menos mal que no la cantó por que le sentaba la letra a Andy Williams, que por esa época estaba cantando la canción de El Padrino, como a un cristo dos pistolas). Finalmente se incluyó en el disco Trafalgar, que salió en 1971. Esta canción fue el primer single nº 1 de los Bee Gees en USA. 
La canción es sencilla y dramática. Comienza cantando la primera estrofa Robin, sigue el inicio del primer estribillo Barry, que canta también la segunda estrofa y nuevamente el inicio del segundo e igual estribillo. Naturalmente todos refuerzan en coro los estribillos. Musicalmente, lo más característico es el inicio ingenuo, vacilante y adolescente de las estrofas que continúan con un desarrollo muy drámático. Luego la melodía se interrumpe y un falsete de Barry Gibb, (que a partir de esta canción será marca de la casa varios años) conduce al estribillo, que se refuerza al final con el añadido de todas las voces.

La letra es muy sentida y poética y trata de descubrir con asombro el dolor que se puede llegar a producir cuando se termina un amor, dolor que nadie había alertado y concluye con un corazon roto que: ¿Cómo se puede arreglar?.
....
But I was never told about the sorrow...


And how can you mend a broken heart?
How can you stop the rain from falling down?
How can you stop the sun from shining?
What makes the world go round?
How can you mend this broken man?
How can a loser ever win?
Please help me mend my broken heart
And let me live again




El cantante de soul Al Green realizó en 1972 Una formidable versión que, años más tarde, se utilizó en la banda sonora de la película Nothing Hill. En 2003 fue grabada con mucho éxito por Michael Bublé. La versión de Diana Krall es menos dramática pero más sensual y magistral en todo caso. Una curiosidad: Julio Iglesias tiene una versión de esta canción.

Notas
1. En  los inicios de La perplejidad del buzo, las secciones musicales no eran independientes y estaban junto con otros contenidos. En concreto estos comentarios sobre How can you mend a broken heart, estaban incluidos en la entrada de título Este país coloca del 10 de enero de 2010. Creo que es mejor que estén separadas. Poco a poco vamos a ir independizando esas partes musicales de las entradas antiguas.

2. Hoy mismo llegan noticias del estado de gravedad de Robin Gibb, internado en una clínica londinense por neumonía sobrevenida, después de las sesiones de quimioterapia necesarias para tratar de curar un cáncer de colon e hígado. Esperemos que venza a la enfermedad y se pueda recuperar pronto.
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lunes, 5 de marzo de 2012

I've got you under my skin

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I’ve got you under my skin es una canción de Cole Porter, incluida en el film musical Born to Dance estrenado en 1936 protagonizado por James Stewart y Eleanor Powell. 


Cartel de Born to Dance. 1936. (De wikipedia)

El tema, que fue nominada como mejor canción en los oscar, era fundamental en la película ya que además de ser interpretado por Virginia Bruce, la femme fatale que disputaba a Eleanor Powell el amor de James Stewart, era, en versión instrumental, el motivo de un importante número de baile  y sonaba de fondo en varios pasajes del film.


Portada - desde 1957 - de Songs for swinging lovers
(De wikipedia)

Frank Sinatra lo grabó en 1956, formando parte del álbum de estudio Songs for swinging lovers, que contó con la formidable dirección musical y arreglos de Nelson Riddle. I’ve got you under my skin quedó inmortalizada en esta versión que pronto se convirtió en una de las canciones identificativas, (casi al nivel de My way), de Frank Sinatra

La versión tiene un comienzo musical con aire de suspense, y sigue interpretada por la orquesta - de jazz - con arreglos muy en "swing", muy sincopados y, casi al final, una parte instrumental con un gran sólo de trombón contestado y arropado por las trompetas. Todo ello hace esta versión soberbia, convirtiendo una canción que, por su letra, puede tender con facilidad a la melancolía en otra más alegre y deportiva. La letra comienza con la rotunda estrofa:


I’ve got you under my skin
I’ve got you deep in the heart of me
So deep in my heart, that you really a part of me
I’ve got you under my skin

y pese a que más adelante, hay un intento de liberarse y de relajar de ese intenso y doloroso sentimiento; se acaba en el principio; o sea : I’ve got you under my skin.


Motivado, probablemente, por la fuerza de la versión de Sinatra, I’ve got you… no es una canción de la que se hayan realizado cantidades de versiones.


Dinah Washigton (De wikipedia)

Entre las existentes, destacaría la  realizada por la gran Dinah Washington, con su personal gran voz y que se inicia sólo acompañada por percusión incorporándose después el resto del sólido grupo de jazz acompañante; o la de Sammy Davis Junior que la interpreta a capella sólo con acompañamiento de batería. A mediados de los sesenta Frankie Valli y los Four Seasons realizaron una grandísima versión, fácil y ligera pero, definitivamente, con un alegre romanticismo muy fresco. Es mi preferida.


En los últimos años destacan las versiones de Diana Krall que trata de sensualizar la canción ralentizándola excesivamente y la de Michael Buble, muy sólida, profesional y bastante conseguida, pero que no consigue hacernos olvidar la de Sinatra. 
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