Wellcome Home. Shelley Fabares.

Uno encuentra dos placeres cuando va al auditorio al ciclo de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. El primero es el propio concierto. El segundo es que volviendo a casa en coche escucho Flor de Pasión que está en un horario: de 9 a 10 de la noche que, normalmente, es complicado de escuchar.

Así que en el último programa que escuche en directo, cruzando la Castellana hacia Ríos Rosas sonó una cantante americana de los 60 de la que no había oído ni hablar: Shelley Fabares que cantó Wellcome Home.

Shelley Fabares

Canción pizpireta y tierna, con un ritmo continuo, para lo que ayuda muy mucho el organito que hace el contrapunto a la melodía y que le da un popular toque sonido de la cabra. Pero muy fino, no como, por ejemplo, el que solían hacer Los de la Torre en España.

En cuanto a Shelley Fabares, guapísima y voz muy agradable, con un interesante recorrido como actriz y cantante. Espero que vuelva de nuevo a La perplejidad del buzo pronto.

Luminarias. Los 3 Sudamericanos.

De finales de la década de los 50, en esa difusa frontera entre la música popular para adultos y los nuevos ritmos para jóvenes que iban surgiendo y posiblemente desde Chile, José Imperatore Marcone – letra  - y Galvarino Villota Aldreto – música; (los mismos compositores del tema Marcianita),  crearon este tema insólito que es Luminarias de 1963 interpretado por Los 3 Sudamericanos.

Luminarias es un fox bailable que empieza con un prometedor coro raro y largo: “Baru raru raru, Baru raru raru”, tras lo cual va la letra propiamente que se inicia con un estribillo memorable

Marilin, Brigitte y la Montiel

Marilín, Brigitte y la Montiel

Después se van describiendo a las principales estrellas o “guapas cinematográficas oficiales” de los distintos países – de dónde debe venir el título de la canción de Luminarias, se supone que en la 4ª acepción que aparece en el diccionario de la RAE como “lumbreras”. Y ahí va la letra que no tiene desperdicio.

Los franceses tienen a Brigitte Bardot,

los ingleses cuentan con la Diana Dors,

los italianos están con Gina

si en el amor hay que elegir.

Los germanos tienen a María Shell,

los americanos a la Marilin,

los españoles a la Montiel

y mi corazón te tiene a ti

Si en un concurso compitieras con ellas

siempre serías para mí la más bella

Tengo la mirada de Brigitte Bardot

y la risa tierna de María Shell…

Sin ser estrella tú eres mejor

que la Marilín y la Montiel.

Marilín, Brigitte y la Montiel

(Se repite el estribillo después del intervalo instrumental)

Si en un concurso compitieras con ellas

siempre serías para mí la más bella

Tengo la mirada de Brigitte Bardot

y la risa tierna de María Shell…

Sin ser estrella tú eres mejor

que la Marilín y la Montiel,

que la Marilín y la Montiel,

que la Marilín y …. la …. Mon….. tiel.

Y chimpón final.

Hay que destacar en Luminarias, en primer lugar el concepto: la canción da un vuelco cuando aparece la novia protagonista, después de la primera mención a las luminarias:

… y mi corazón te tiene a ti. / Si en un concurso compitieras con ellas / siempre serías para mí la mas bella…

con lo que la cosa se trasforma en una cercana y simpática canción de amor.

Después aparecen más coros de la canción, esos entrañables “taru rurá” que hacen las voces masculinas. También está la vistosa alternancia de voces masculinas con la voz femenina que hacen muy dinámica la cosa. Y el intervalo instrumental, antes de repetirse el estribillo, tiene unos arreglos de guitarra casi con sonido de bandurrias que casi nos transportan a sonidos de tuna evolucionada.

En suma una auténtica canción incunable, una perla que luce mucho en la interpretación de Los 3 Sudamericanos con la gran voz de la cantante Alma María Vaesken y que era nuestro deber rescatar.

¡Misión cumplida!

Ojo al ganchillo

Frases lapidarias 

Soy un culo inquieto, hasta hago ganchillo

Michelle Jenner. Entrevista en 20 minutos, 1 de junio de 2016 

Henos aquí a la joven y asombrosa actriz Michelle Jenner, que bordó y nos entusiasmó con su espléndida interpretación de la reina Isabel de Castilla, en la inolvidable serie en la que sorteaba al villano Villena entre otros validos, gobernaba Castilla con guante de seda y puño de hierro (y sufría de amor, horrores) al rey Fernando que... ¡menuda pieza, también!

De promoción de su nueva película Nuestros amantes, nos deja esta su extensión del concepto de "culo inquieto" al campo del ganchillo que nos deja traspuestos. Uno no sabe si estamos ante una verdadera revelación o ante una insigne melonada causada por el calentamiento global, por culpa de internet o por vaya usted a saber.  

Y a este buzo le deja especialmente inquieto; porque le abre unas turbadoras perspectivas de cómo considerar a su abuela Teresa, que en vida fue entusiasta tejedora de ganchillo, en sus recuerdos futuros.

Mentirillas. Elia Fleta.

Mentirillas de Elia Fleta es posiblemente la canción más cool del pop español de los años sesenta.

Elia Fleta, hija de uno de los más grandes tenores españoles, Miguel Fleta, tenía ya tras sí, toda una carrera en la música ligera. Había comenzado su carrera musical en 1952 formando, con su hermana Paloma, el dúo Las hermanas Fleta que tuvieron un éxito enorme en esos años.

Las hermanas Fleta

En la página web La Fonoteca se indica textualmente lo siguiente:

En un país aislado de cualquier moda, dominado de cabo a rabo por la copla, el tango y la música mexicana, su estilo internacional pronto marca un timbre de distinción y sus canciones son demandadas una y otra vez en los programas de canciones dedicadas que tanto abundaban en la radio de aquel tiempo.

De esa época quedan sus giras triunfantes por Hispanoamérica y sus grandes éxitos como, por ejemplo, Chino-Li-Wong, El Cha-cha-cha del Tren, Ya Sé que Tienes Novio o Háblame sin Palabras.

Deshecho el dúo, Elia Fleta continúa su carrera en solitario que comienza con fuerza  con Luna de Benidorm compuesta por Augusto Algueró, pero que va decayendo con no demasiado éxito. Llega entonces un parón en su carrera del que la rescata Juan Carlos Calderón, que la introduce en el mundo del jazz, un estilo muy querido por Elia, pero al que nunca se había dedicado, actuando con el músico cántabro en el “Bourbon Jazz” de Madrid.

A través del batería Peer Wyboris entra en contacto con Tete Montoliu, pasando durante unos meses a integrarse en el grupo del genial pianista ciego, con el que graba el disco “Tete Montoliu Presenta Elia Fleta” en 1966, un EP en el que canta en catalán estándares del jazz y melodías clásicas en el repertorio internacional como Satin Doll o Las hojas muertas, entre otras.

Vuelve a Madrid continuando un tiempo en el ámbito del jazz, colaborando con músicos de la talla de Pedro Iturralde, Joe Moro, Vlady Bas y el propio Juan Carlos Calderón, dejando constancia de esa época jazzística el disco “Elia Fleta y el Jazztet de Madrid” de 1967.

En 1968 Elia Fleta intenta reinventar su carrera como vocalista pop y cargada de experiencia y swing graba el sencillo que en la cara A llevaba el tema “Tomando café”, del que no he encontrado rastro sonoro en la red y ya lo siento, a tenor de lo que de ella se indica en la web La Fonoteca:

La veterana cantante da la medida sobradamente, canta de maravilla muy bien arropada por la orquesta dirigida por Rafael Ibarbia. Muestra una profundidad y un dominio del fraseo vocal como pocas veces se ha escuchado en voces femeninas españolas.

La cara B, contiene la maravillosa Mentirillas que mencioné al principio. La canción tiene una letra aparentemente tontona pero Elia Fleta está maravillosa, exhibiendo su voz y su vibrante swing acompañada por una soberbia percusión (¿a un doble tempo?) sujeta por un piano potente y sobrio, con toques de vibráfono (¿hay algo más cool que el sonido de un vibráfono?) y un muy medido contrapunto de trompetas con sordina.

Una delicia de canción, recién descubierta por el buzo, incluida en un cargamento de temas del inicio del pop en español de finales de los años cincuenta y de los años sesenta: auténticos “incunables”, regalo de un buen amigo.

Una gozada para los que amamos la música de esa época. Así que creo que con Mentirillas vamos a inaugurar en La perplejidad del buzo una etiqueta de "Incunables" en honor a este CD en el que ha empaquetado 212 canciones, ¡nada menos!; a cual mejor y más pimpante.

Neurasténica. Elder Barber.

Tenía muchas ganas de traer a La perplejidad del buzo esta canción, que escuché por primera vez hace unos 30 años  y que me ha acompañado todo este tiempo en su cinta casette grabada, directamente, de la radio. De Flor de pasión, concretamente, y en la que se puede escuchar, justo al principio, la voz peculiar de Juan de Pablos diciendo Neurasténica.

La canta Elder Barber y es una canción bastante singular. Para empezar hay pocas canciones en que se cante - y además, desde el inicio y luego, muy machaconamente - imitando el resoplido de los labios, "¡Brrr... ay que nerviosa estoy!..."; que es como comienza Neurasténica, reconociendo inmediatamente la neurastenia padecida.

"¡Brrr... ay que nerviosa estoy!...Soy neurasténica
me tengo que cuidar, sino al manicomio iré a parar."

Y así, camino del manicomio. La letra no tiene desperdicio pues nos narra los nervios que pueden producir las tareas y maniobras de los enamoramientos por activa y por pasiva. Y es que nos enteramos que todos los nervios vienen producidos por los zanganeos de los chicos que, con aviesas intenciones, andan tras la protagonista que va del susto al gusto y sigue Neurasténica.

Neurasténica gana mucho con la interpretación de la argentina Elder Barber - nacida Elda Perla Barbero - que vino de Argentina a España en 1958, trayendo en la mochila tres películas estrenadas en su tierra y su éxito Canario triste. Con una voz fantástica y muy educada, fue una de las primeras cantantes melódicas modernas que aparecieron en el panorama español.

Trabajó bastantes años como cantante de continuidad en emisoras de radio y grabó más de una docena de discos bastante estimables, casi todas, básicamente, versiones de temas americanos y europeos. Pero desgraciadamente en aquellos tiempos no había todavía un mercado importante para este tipo de música y la promoción era inexistente, por lo que no alcanzó el éxito que sin duda merecía, retirándose de la escena musical en 1965 con sólo 31 años. Una gran olvidada que debería ser mucho más conocida.

Su interpretación de Neurasténica es, pese a los nervios y sudores, bastante contenida, sin salirse y bastante cómoda en el slow y los arreglos del tema. Y, a la vez, le pone un punto de picardía y sensualidad muy interesante. A mi me parece la canción ideal para una rubia de Hichcock, como Doris Day, por ejemplo.

Siempre creí que era una canción muy "de chicas", pero...¡ sorpresa!, la original es de 1954, brasileña y no es neurasténica sino Neurasténico y la interpretó y compuso Betinho, considerado uno de los pioneros del rock en Brasil. Neurastenico, en su forma original, es una canción más sorprendente todavía, que suena alegre y muy marchosa y en la que la letra - cantada por un hombre - toma una perspectiva zumbona y un poco cómica.

Por ello, yo recomiendo perseverar con Elder Barber que fue la auténtica e inolvidable Neurasténica.

El sol no brillará nunca más. Luisita Tenor.

Nacida en Zaragoza en 1941, Luisita Tenor  inició su carrera artística en 1955. En 1959 participó en el primer Festival de la Canción del Mediterráneo en Barcelona. Realizó numerosas grabaciones entre 1958 y 1970 en que se retiró. Fue una de las chicas ye-yé pioneras.

Con soltura, estilo y una voz estupenda, se dedicó, mayormente, a lo que se dedicaban todas las cantantes de esa época: hacer versiones de éxitos de fuera, a falta de buen material nacional. Algunas, realizadas sola o en compañía de su marido Francisco Heredero, también cantante, fueron: Estas botas son para caminar, Amor es mi canción, Los paraguas de Cherburgo, El mundo, Marionetas en la cuerda, Un hombre y una mujer, etc.

También, hay que destacar que Luisita Tenor puso su voz limpia y aguda en la versiones oficiales dobladas al español de las canciones de grandes películas como Mary Poppins y My Fair Lady; y que tuvo un exitoso recorrido en el campo publicitario, poniendo su voz a jingles tan famosos como los de Tulipán Negro y Bic Naranja/Bic Cristal que ella cantaba.

Una de las versiones que realizó Luisita Tenor fue la del tema El sol no brillará nunca más, en la que se muestra su buena voz y lo que daban de sí las pobres producciones musicales españolas de esos primeros años sesenta. La recogemos de una  actuación - en la televisión en blanco y negro de la época - que impacta. Como comenta Pacopepe Gil en Loft.it;  "Impagable el sobrio escenario, la sutil decoración de artificial floresta, el cadencioso y sensual movimiento de caderas, el moñopeinado, el hábito vestido…  En fin, como leí en otro blog, “Cantando Luisita Tenor me extraña que el sol no brille”.

No fue, por cierto, la única versión en español. También Los Mustang y Karina hicieron las suyas.

La canción original, The Sun Ain't Gonna Shine Anymore, escrita por Bob  Crewe y Bob Gaudio, (pareja de compositores habitual de The Four Seasons y autores de bastantes éxitos pop; entre los que cabe destacar Cant Take My Eyes Off You), fue grabada originalmente en 1965 por Franki Valli; pero fue la versión realizada por The Walker Brothers la que llegó al éxito multitudinario, alcanzando el nº 13 de Billboard (USA) y el nº 1 de las listas británicas. La fuerza de la interpretación del grupo americano y la cuidada producción de la grabación con sus arreglos e instrumentación, con ese fabuloso telón de fondo de sonido, han hecho de este tema un clásico, casi un himno, del que se han realizado docenas de versiones hasta la fecha en ingles y en otros idiomas. 

De las muy abundantes versiones en inglés, destacaría dos de ellas; la de la cantante Cher de 1996 y la del grupo Keane de 2004, en su estilo épico característico.

En francés, su título fue Le soleil ne brille plus, y la interpretó, Richard Anthony, gran especialista en versiones. En italiano la cantaron, con el título Il sole non tramonterà, The Casual y Caterina Caselli, a la que vemos interpretándola en el inicio de una película, sobre un curioso espigón con el mar al fondo.

Guateque. Li Morante.

Li Morante fue por pleno derecho una de las pioneras de las chicas ye-ye en España. Fue la intérprete de una canción de debería ser mítica en el pop nacional y que, incomprensiblemente, no lo es. Se trata de Guateque que apareció en su tercer disco.

Li Morante

Guateque es una divertida y explosiva canción, con marcha y swing como para poner a 100 por hora, no sólo a la muchachada guatequera, sino también - e incluso  - a la Red Nacional de Ferrocarriles Españoles de la época. En primer lugar, apunten su impagable letra ¡del año 1963!, que empieza con los versos:

“Cuando se mezclan la ginebra y el whisky

se ponen todos un poquito piripis,

un cubalibre y un disco de jazz;

guateque sensacional”

Lo que describe perfectamente lo que era usual en los guateques: que el personal se tomara algunas copitas para soltarse en declaraciones y gestos amorosos e intentar “arrimar”, lo que ayudaba bastante; sobre todo a los tímidos. Que es lo que se cuenta en los siguientes versos, consecuencia de los anteriores:

“Cuando se toman sin parar cinco copas

es muy difícil que el amor no se note;

por eso a ti me declaré sin dudar,

te dije bésame ya”

Por otro lado, estamos en 1963 y Guateque deja de ser la típica canción ligera de la época para pasar a ser ya un ritmo moderno; un twist, si bien, los arreglos y acompañamientos son todavía un poco pesados y suenan un poco a orquestina de salón de baile de los cincuenta. Guateque es ya moderna, lo que puede verse en comparación con otra canción anterior, Tafetán, que es aún canción de boite con solista insinuante y típicos coros masculinos, en la línea de la canción ligera de la época con Gloria Lasso o Monna Bell como primeras figuras.

En cuanto a Li Morante, qué decir de ella. En el portal La Fonoteca - donde pueden encontrar buena información sobre la cantante - es descrita  por Julián Molero de la forma siguiente:

“Su belleza, a medio camino entre buena chica y pícara, un cierto aspecto de estrella americana y una voz potente – en ocasiones, demasiado potente…”

En Guateque va acelerada, casi por delante de la música y se desgañita al final de algún verso. Como “toca” en una canción como Guateque. Lo pueden ver en la interpretación  que realiza en la película Objetivo las Estrellas”.

Li Morante tuvo una carrera precoz y fugaz. A los dieciséis años grabó su primer disco. A los dicecisiete grabó otros dos y protagonizó la película Objetivo las estrellas, primera de las cuatro para las que la contrató Cesareo González, en productor de cine de oro de la época. En 1964, después de grabar otros dos discos y tras una gira por América, habiendo logrado un éxito respetable y con toda una carrera por delante, dejó el mundo de la música y la farándula que le resultaban incompatibles con sus convicciones religiosas.

Y no deja uno de pensar a dónde podría haber llegado.

Nota

Piripi, palabra moribunda o, si queréis, viejuna en la actualidad, y más concretamente el término "un poquito piripi", se decía mucho entonces; y era cómo denominaban las chicas el estar un poco achispadas. Nivel etílico que cuando se sobrepasaba, lo que ocurría raramente, no había piedad ni eufemismos y se pasaba a decir de la chica en cuestión que "estaba borracha". A los chicos ni se les ocurría emplear para si mismos piripi, utilizando mucho a cambio, el término "pedo" que cuando se sobrepasaba, lo que ocurría con mucha más frecuencia que las chicas, se pasaba al estado de "cogorza".

Soledad Miranda. Pelucón.

En este 2015 vamos a centrarnos, en un ejercicio de arqueología recreativa, en las Chicas Ye-Ye. Arqueología nostálgica y un cierto ejercicio de: ¿qué habría sido … si? Porque hubo buenos mimbres y uno se pregunta, si hubiera habido una industria musical más potente y un mayor nivel de consumo, adónde habría llegado el pop español que nacía allá por 1960, más o menos . Pero dejémonos de filosofías y vayamos al turrón. Empezamos con Pelucón de Soledad Miranda.

Soledad Miranda es más conocida, sobre todo fuera de España, por su faceta de actriz. Es, de hecho, una imagen de culto dentro del cine de terror internacional… hecho en España. (Ver la web www.soledadmiranda.com). Su corta carrera musical propiamente dicha, con grabación de discos, fue sólo un paréntesis. 

En su primer EP de 1964 había tres versiones de temas foráneos y sólo una canción original, la divertida Pelucón, de la que se comenta en lafonoteca.net, lo siguiente:

“Pelucón” es el arquetipo de las piezas ye yé de la primera hornada con mucho ritmo en tiempo de twist, solo de saxo, coro masculino en plan maromo berreante y cuitas ilimitadas entre una chica atacada por su peinado que se defiende de su agresor con uñas, dientes e invitándole a mejorar su aseo personal.

La canción tiene chispa, es muy resultona, los coros no son tan berreantes y se juega en la letra con la comparación y choque entre las “despeinadas” de la canción de igual título, con el pelo tipo media melena liso o pelucón de los primeros ye-yes, apareciendo en el estribillo, también parte de la melodía de la famosa canción Despeinada.

Tras este disco grabó únicamente otro EP el año siguiente, esta vez sólo con versiones. Destacaría en él  la canción No lo quiero,  (versión de I Can Have her de Roy Hamilton), sobre todo por los bailes con el que han montado el vídeo de Youtube.

Cartel de Vampyros Lesbos (En Wikipedia)

En 1969 retoma su carrera cinematográfica de la mano del director Jesús  -Jess- Franco con la que comenzó a rodar las que hoy son míticas películas de terror realizadas en España, con títulos como “El Conde Drácula”, “Eugenie de Sade”, “Vampyros Lesbos” o “El Diablo Vino de Akasawa”; con versión doble, una recatada para España y otra más erótica para el exterior. En estas últimas aparecía en los créditos como Susan Korda, y es la que ha llevó a Soledad Miranda a convertirse en una leyenda como pionera mundial del sexo terrorífico.

Ahora estoy solo. Los Hitters.

Los Hitters, o cuando un cover es igual de bueno (o incluso mejor)  que la canción original. Que es lo que ocurre con Ahora estoy solo, versión de la canción I ThinkWe’re Alone Now que, compuesta por el compositor Ritchie Cordell, lanzaron Tommy James and the Shondells en 1967, constituyendo, tras Hanky Panky de 1966, su segundo gran éxito, alcanzando el puesto nº 4 en la lista Billboard Hot 100.

Por su parte, Los Hitters , (que es la segunda vez que aparecen en La perplejidad del buzo – ver la entrada Un hombre respetable, con ese video de impagables bailes a go-go), fue un grupo mexicano de rock and roll, a go-gó ( así se indica en Wikipedia, donde también los catalogan en rock lento), y balada. Formado a finales de 1964, llegando a tener varios éxitos, la mayoría covers de éxitos estadounidenses.

El grupo inicia su carrera en el norte de México en 1964, recogiendo las influencias de la música juvenil que escuchaban en la frontera.  En la página web robquero.tripod.com se describe la situación:

“En la segunda mitad de los años sesenta varios grupos procedentes del norte del país invadieron la capital mexicana con estilos diferentes a los que estábamos acostumbrados. El rock’n roll y el Twist dejaban de ser los ritmos principales para dar paso a otras corrientes musicales. Uno de estos conjuntos fue el de Los Hitters, quienes junto a Los Rockin Devils, Los Apson, Los Yaki, los Johnny Jets y Los Belmonts entre otros, inician una nueva aventura con gran influencia de grupos ingleses y americanos como The Beatles, Rolling Stones, The Kinks, The Doors, Tommy James & The Shondells, Dave Clark Five, Los Monkees, etc.”

Los Hitters, desde luego se especializaron en Los Kinks de los que versionaron A Well respected man, (Un hombre respetable), y Dandy;  y en Tommy James and the Shondells, de los que realizaron también, la version de Hanky Panky.

Ahora estoy solo es una gran versión que suena muy clara en la voz de Menny Muñoz , dulcificando el áspero bajo y sustituyendo el órgano algo chirriante de la versión original por unos arreglos de viento, haciéndola más redonda y convirtiéndola en una balada muy  natural en castellano, fácil pero muy agradable.

En fin, una joyita que merece el rescate y el recuerdo.

Curiosamente, la canción ha permanecido en castellano gracias a su adopción por grupos y solistas de cumbia argentina y mexicana con versiones realizadas, entre otros, por La Liga, Lalo y los Descalzos, Yerba Brava, Chili Fernández y, agárrense, los Waraturros Santiagueños.

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Cha Cha Twist. Margarita Sierra

En 1960 fue contratada por la Warner y Margarita Sierra fue durante un tiempo en Estados Unidos “The sparkling señorita from Spain”, protagonizando dos temporadas de la serie de TV, Surfside 6.

Hacia el papel de Cha Cha O’Brien, bailarina de una sala que estaba en frente de la agencia de detectives que moraba en el número 6 de la Calle Surfside de Miami, ciudad en que estaba ambientada la serie.

Así que Cha Cha Twist no es un twist basado en el cha-cha-cha, sino el twist de Cha Cha; de Cha Cha O’Brien. La canción apareció en uno de los episodios de la segunda temporada  de Surfside 6. Con una letra en que se mezclan el español y el inglés, el tema es vibrante y trepidante, con mucha marcha. No desentonaría en un guateque del siglo XXI. Tuvo bastante éxito pero no llegó a entrar  en el Billboard Top 100.

Margarita Sierra, Troy Donohue, Lee Patterson, 

Diane McBain y Van Williams en Surfside 6

Estamos pues, ante una española, Margarita Sierra,pionera en Hollywood. Había nacido en Madrid en 1936 y se había trasladado a Estados Unidos en 1956, triunfando, como hemos visto, cuatro años más tarde. En mayo de 1963 le fue detectada una dolencia cardíaca de la que fue operada unos meses más tarde, falleciendo  el 6 de septiembre como consecuencia de la misma.

En internet (youtube), además de Cha Cha Twist, hemos visto un álbum suyo Presenting Margarita Sierra, con canciones como Ole flamenco, Sortija de oro, El botijero y A la vera del mar. Copla y flamenquito para Hollywood que no tiene desperdicio.

Y de Surfside 6 escribiremos otro día.