Cerca de las estrellas. Alfonso Sainz. Los Pekenikes

A veces en las canciones populares, sea o no con intencionalidad manifiesta, la ciencia y la tecnología son relevantes. Es el caso de Cerca de las estrellas del mítico grupo de rock Los Pekenikes. Apareció como disco sencillo a finales de 1968 y fue recopilada en el siguiente  álbum del grupo, Alarma. Letra y música son de Alfonso Sainz, uno de los principales componentes del grupo. 

Cerca de las estrellas se gestó y compuso en los meses cruciales de preparación del vuelo del Apolo XI que puso al hombre en la luna en julio de 1969. Es un imaginar sencillo e ingenuo de lo que se podría sentir al llegar a las estrellas. Ayudan la voz del batería Felix Arribas y los arreglos de Waldo de los Ríos y Rafael Trabucchelli pero hay que reconocer que los versos,  que nos sitúan lejos del sol, dónde el tiempo no pasará y sólo brille la luz de las tinieblas, son memorables.

Cerca de las estrellas

Buscaré otro mundo lejos del sol en las estrellas

Un lugar donde sólo brille la luz de las tinieblas

Viviré donde el tiempo no pasará en las estrellas

Buscaré otro mundo lejos del sol en las estrellas

Alfonso Sainz. (Alicante, 1943 – Viera, Florida - USA, 2014)

Ver más en el blog La alegría de las musas 2

Conquistador. Los Pekenikes.

Hace tiempo que no nos visita en La perplejidad del buzo el pop ó pop-rock español añejo. Es algo que depende en gran parte de la aleatoriedad, de encontrarse con estas pequeñas joyas por casualidad.

El caso es que indagando en la trayectoria de Los Pekenikes - para ilustrar su inmortal tema Cerca de las estrellas - nos enteramos de que habían participado en una película de título Escuela de enfermeras de 1964. 

Y ahí metimos la nariz y encontramos este Conquistador que cuenta como vocalista con una  de las tres protagonistas del film: María Granada. En la película le dan a la canción el título "Tu tu tu", de la que luego vi que su título era Conquistador.

Es un twist de ritmo jazzy, muy animoso y alegre en el que se ve la soltura y maestría instrumental de Los Pekenikes. Ahí están Lucas Sainz a la guitarra, su hermano Alfonso al saxofón y el bajista Ignacio Martín de Sequeros. (El batería diría que es José Nieto, pero no estoy seguro).

La película, en blanco y negro, es de género que yo llamo corporativo, (porque cuenta historias de un gremio u oficio, en este caso, el de enfermería), y parece ser que está muy influida por la película Canción de juventud de Luis Lucia, protagonizada por Rocío Dúrcal. Ver, para comentarios sobre Escuela de enfermeras, el blog:  https://cerebrin.wordpress.com/2016/02/12/escuela-de-enfermeras/

Por cierto, el inicio del film tiene unos animados títulos de crédito - éstos, sí completamente corporativos - que son una especie de himno de las enfermeras: 

"Somos enfermeras, de blanco puro ideal, cuando te encuentres muy mal, te cuidaré..."

Transcribo, a continuación la nota 2 del artículo sobre la película de cerebrin.wordpress.

(2) En 1915 se crea en España el título de enfermera, algo casi exclusivo de las mujeres, que cursaban sus estudios en escuelas dependientes de hospitales. Los practicantes era la rama reservada al género masculino y cursaban los estudios en las facultades de medicina. En 1952 se creó el título de ATS, que unificaba los planes de estudio de enfermeras, practicantes y comadronas, pero las desigualdades de género aumentaron. Las mujeres que estudiaban debían estar internas y alejadas del género masculino que estudiaba dicha titulación. Esto no cambiaría hasta bien entrados los años setenta.

Espero que os gusten mucho mucho, este Conquistador y el himno.

Vampiresa mujer. Jonathan Richman.

Hace 4 días mi hija M. escuchó en la radio Vampiresa Mujer (ó Vampiresada) de Jonathan Richman.

La acompañó del texto siguiente

"Han puesto esta canción en radio 3 y me ha sacado una sonrisa. Con estas canciones era más divertido el camino al colegio"

Lo que nos lleva a dos cosas. La primera es las cintas de cassette que este buzo grababa en su día. Era la costumbre de grabar directamente de la radio las canciones que nos gustaban, (o sin haber escuchado nunca, pero animados por los comentarios del locutor: Gonzalo Garrido o Juan de Pablos, seguramente). Eran también grabaciones "especiales" como, por ejemplo, esas provenientes de la colección Música para jóvenes carrozas que tantas y tan buenas como bizarras canciones tenían.

Estas cintas estaban en el coche y nos animaron la ida al colegio por la mañana muchos años.

La segunda cosa es que Vampiresa Mujer (ó Vampiresada) de Jonathan Richman era un clásico; un must que todos acabábamos tarareando a voz en grito, a veces, ante la mirada atónita de algún conductor parado en paralelo con nosotros en algún semáforo.

A continuación escuchen y mediten en todo su esplendor y profundo significado Vampiresada e imagínensela tarareada fervorosamente por niños y niñas de 8 y 10 años y de menos años. 

Yo creo que la debí grabar en Flor de Pasión ( con Juan de Pablos) o en Dominó (Gonzalo Garrido) ¡Benditos progamas y locutores!

Junto con Vampiresada me gustaría traer aquí otros dos temas magníficos de Jonathan Richman y su grupo The Modern Lovers que guardo en mi corazón. Son el estrambótico y sobrio Egyptian Reggae y el lánguido y muy sentido Important In Yout Life resumen y quintaesencia, creo, del Jonathan Richman's Style

Un supergrupo de los 80: The Traveling Wilburys

Seguimos con este recorrido musical alrededor de George Harrison, nuestro Beatle favorito, que en 1988 crea The Traveling Wilburys con un grupo de amigos. ¡Pero que grupo de amigos! Bob Dylan, Roy Orbison, Jeff Lyne y el recientemente desaparecido - grande - Tom Petty.

Me encanta la descripción de las intenciones de Harrison que podemos leer en Wikipedia: 

«Lo que realmente me gustaría hacer a continuación es... hacer un álbum con algunos de mis amigos... algunas canciones, ya sabes. Quizás The Traveling Wilburys... es el nuevo grupo que tengo: se llama "The Traveling Wilburys", me gustaría hacer un álbum con ellos y luego podremos hacer nuestros propios trabajos otra vez»

El nombre del grupo proviene de una jerga entre Jeff Lyne y George Harrison respecto de los errores en las grabaciones. Harrison comentaba en broma: «We'll bury 'em in the mix»:  "los enterraremos en las mezclas". De ahí proviene el Wilburys al que se le antepuso  el calificativo de viajeros. Y así nacieron The Traveling Wilburys.

The Traveling Wilburys Vol. 1, de 1988

En el primer album The Traveling Wilburys Vol. 1, de 1988, se encuentran las mejores canciones del grupo que, a mi juicio, son The End of the Line y Handle with Care, en las que Harrison está acreditado como autor principal; y Not Alone Anymore en que Jeff Lyne es el principal compositor - y en la que casi se le caen a uno las lágrimas por la resurrección y superinterpretación de Roy Orbison. 

El 6 de diciembre de 1988, apenas dos meses después de la publicación de Traveling Wilburys Vol. 1, Roy Orbison falleció de un ataque al corazón. En su homenaje, el videoclip de «End of the Line» incluyó la guitarra eléctrica de Orbison balanceándose sobre una mecedora mientras el resto del grupo tocaba la canción.

Roy Orbison en 1965 (WIkipedia)

A pesar de su fallecimiento, el resto de la formación grabó un segundo y último álbum, intencionadamente con el título de Traveling Wilburys Vol. 3.  Pero ya no resultó igual. La muerte de Orbison fue decisiva para el decaimiento del grupo cuyo impulso inicial se fue apagando.

It don't come easy. Ringo Starr.

Continuamos con la serie Colegas de Georges Harrison; y si nos atenemos a la historia de Los Beatles en su apartado musical, hay claramente una pareja destacada: Lennon y McCartney que funcionaron casi como una firma comercial pues, prácticamente, toda la producción del grupo fue compuesta por la pareja. Con ello acapararon fama, prestigio, notoriedad, etc., lo que dejó fuera a la otra pareja que formaba el grupo: George Harrison y Ringo Starr que eran - digamos - los patitos feos, iban por libre y eran muy amigos. 

No resulta extraño, por tanto, que se forjara entre ambos una camaradería bastante consistente y que, al llegar la ruptura del grupo, cuando cada cual comenzó a sacar discos en solitario, Ringo echara mano de George que compuso, produjo y participo como guitarrista en la grabación del primer éxito de Ringo Starr en solitario: It don't come easy.

It don't come easy fue grabada en los estudios de Abbey Road de Londres entre febrero y marzo de 1970. El tema comienza con un rif de guitarra inconfundible y marca de la casa: muy Harrison. Después va el estribillo que es muy pegadizo con unos coros muy bien puestos y empastados y sigue con la peculiar voz de Ringo...

En las grabación, además de R. Starr y G. Harrison en la batería y guitarra, están Klaus Vorman al bajo, Stephen Stills al piano, en los metalesR. Cattermola y, cantando los coros, P. Ham y T. Evans. It don't come easy tuvo bastante éxito. Fue disco de oro, (más de 500.000 copias vendidas), en USA; siendo nº 1 en las listas de éxitos de Canadá, nº 4 en Usa y Gran Bretaña y nº 5 en Alemania.

Desenvuelta y alegre, It don't come easy es ideal para cantarla a voz en grito de excursión por los jardines del Palacio de La Granja en la sierra segoviana o para, recién salido del metro Tirso de Molina un domingo por la mañana, meterse en el mogollón de El Rastro. 

O aún  mejor: una canción perfecta para, recién levantados, pegarle un sopapo al lunes y poner en marcha la semana: ¡muy, muy optimista! Siempre da subidón.

Badge. Cream y George Harrison.

Creo que, tras incluirlo en el blog en cinco ocasiones, está claro mi cariño por la figura de George Harrison y su sincera relación con otros músicos y amigos y mi predilección por su música.

Hoy vamos a centrarnos en la primera colaboración de Harrison con Eric Clapton. Se trata del tema Badge , (o Insignia), que fue incluido en Goodbye, el disco de despedida del grupo Cream, puesto en el mercado en 1969.

Badge fue grabada en octubre de 1969 y, por lo que se cuenta en diversas fuentes, el título es un malentendido. En la hoja en que se escribieron acordes y partituras figuraba la palabra Bridge, (o Puente) y Clapton, le puso, (o interpretó) como Badge. Y así se quedó; como Insignia.

Harrison es compositor, con Clapton, del tema y participó en la grabación como guitarra rítmica. Por razones contractuales, su colaboración apareció en los créditos de la grabación como "L'Angelo Misterioso"

A mi es una canción que me resulta fascinante, sobre todo en el centro del tema, en que surge el poderoso arpegio de guitarra, (arpegio que es "santo y seña" de Badge); que tan bien enlaza con el, también, perfecto solo de guitarra que le sigue.

Excursión a Buitrago

Un cierto recobrar de la vida corriente con la modesta excursión a Buitrago de la Sierra anteayer, que vale la visita: por su enclave a orillas del Lozoya, su recinto amurallado  y el entrañable Museo Picasso, obra y donación de Eugenio Arias, barbero y amigo de Picasso en Vallauris, desde 1945 hasta la muerte del pintor en 1.973. Me he encontrado bien, sin rastro del estómago y, solo, con el cansancio del caminar. Volveremos a Buitrago.

Vista de Buitrago de Lozoya

(De Wikipedia)

Mientras tanto la actualidad sigue y veo como recogen, de forma idéntica El País y el ABC, las ultimas baladronadas e intenciones del infausto presidente de la Generalidad de Cataluña; el muy honorable y nefasto Quim Torra.  En El País : Torra rechaza el plan de Junqueras y llama a la“confrontación” con el Estado; y en ABC: Quim Torra: «Debemos volver a arriesgar, lo volveremos a hacer». Y uno se pregunta qué tipo de diálogo o negociación se puede pensar en hacer con el catalanismo radical que es lo que represente semejante tipo.

También veo, en la prensa, alguna reflexión sobre las reuniones del presidente en funciones, Sánchez, con diferentes organizaciones afines (a él), que tuvieron lugar justo después de su fallida presentación a Presidente del Gobierno. Hay un tufo intenso a demonización del resto de partidos, a un corporativismo o a una especie de democracia orgánica que creíamos desaparecido en el seno de una democracia representativa y constitucional. Y, en el mejor de los casos, estaría el jefe de gobierno - actualmente en funciones - a la búsqueda de un programa que nunca existió. ¡Vaya panorama! 

Y ayer; van y detienen a un pervertido, que a base de mochilas y con teléfono móvil, grababa partes íntimas de mujeres en el metro y sus escaleras. Toda esa basura iba luego a internet y resulta que tenía miles de visitas y de likes it: un éxito el tío. ¡Vaya panorama! 

Dos canciones en ese anteayer que ahora recuerdo y que vienen de revisar LPs antiguos. Dos en concreto. Buenas noticias de Nuestro Pequeño Mundo de 1969, segundo LP del primer y pionero grupo de folk español en el que, entre otras estaba Arvolicos de almendra, delicioso recuerdo de nuestro pasado sefardí.

El otro LP que revisé esa tarde a la vuelta de Buitrago, también entrañable, fue El país de la luz, primer álbum en solitario de José María Guzmán - que nos trae el mejor pop español de todos los tiempos, heredero del gran grupo que fue Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Y su tema principal, de mismo título: El país de la luz que es una perla.

Ebony Eyes. Bob Welch.

En el particular recorrido vital de este buzo por sus recuerdos musicales del pop-rock de finales de los setenta y de los ochenta, (ese tipo de música de los tiempos del programa Dominó de Gonzalo Garrido), han aparecido estos Ojos de ébano (Ebony Eyes) del guitarrista, cantante y compositor Bob Welch que tanto gozamos en su día y que nos sigue gustando y llegando al corazón.

Estaba incluido en el álbum French Kiss, primer álbum en solitario de Bob Welch editado en 1977 que fue, a la postre su trabajo de mayor éxito, alcanzando sus temas Sentimental Lady y Ebony Eyes  los números 8 y 14 en las listas americanas.

Musicalmente Ebony Eyes se caracteriza por una mezcla de guitarra hard rock, (con un afortunado riff que se repite a lo largo del tema), un ritmo de música disco más o menos  y, al fondo,  arreglos de cuerda.  El estribillo es machacante y fácil, y tras la segunda vez que se entona, finaliza – una sola vez – con la repetición del título del tema: Ahhhh..!  Ebony Eyes!;  que, junto con el riff de la guitarra, inmortalizan la canción.

Los músicos participantes en la grabación fueron, además del propio Welch, miembros de l grupo Fleetwood Mac, (Mick Fleetwood, Cristine Mc Vie y Lindsey Buckkingam),  del que había formado parte Bob Welch los años anteriores. 

La letra es la historia de un ligue con una chica tímida, de las que ocupan, expectantes, los bordes de las pistas de baile, (tal como se representa en el video oficial del tema).

Your eyes got me dreamin

Your eyes got me blind

Your eyes got me hopin

That I'll be holding you close tonight

Ebony eyes, ebony eyes

Ebony eyes, ebony eyes

Bob Welch es una de esas figuras secundarias, pero importantes y necesarias, ya que ilustran muchas veces mejor que los grandes ídolos, el devenir de un oficio y un arte. En este caso, el de la música popular del siglo XX o pop-rock.

Nació en 1945 en Los Ángeles, en el seno de una familia de artistas. Su padre era el productor de películas y guionista Robert L. Welch, y trabajó para Paramount Pictures en los años cuarenta y cincuenta, produciendo películas protagonizadas por Bob Hope o Bing Crosby. La madre de Bob era la cantante y actriz Templeton Fox. que participó en películas y series de televisión entre 1962 y 1979.

The Seven Souls

Su trayectoria comienza con su incorporación en 1964, en el grupo The Seven Souls cuyo tema I Still Love You  de 1967, llegó a ser una de las canciones insignia del estilo Northern Soul. Después pasó a Europa, donde se unió en 1971 a la banda de blues británica Fleetwood Mac, de la que fue uno de los principales miembros y en la que permaneció hasta finales de 1974 iniciando su carrera en solitario a partir de esa fecha.

Carrera en solitario que comenzó con el exitoso álbum French Kiss de 1977, con los éxitos Sentimental Lady y Ebony Eyes, pero que fue languideciendo poco a poco hasta las curiosas grabaciones finales de 1999, como Bob Welch Looks at Bop, basadas en  jazz.

Falleció de forma trágica (suicidio) en 2002, tras conocer que nos se recuperaría de una operación de su columna vertebral.

Queda en nuestra memoria y en la pequeña historia del pop (que es también grande), Bob Welch y esa joya que fue (y que sigue siendo) Ebony Eyes.

Ya no hay Flor de Pasión

Hace unas semanas, una tarde de sábado, puse una cinta de cassette en Madrona - Segovia. Una vieja cinta de principios de los ochenta, de esas que muchos grabábamos directamente de la radio y con toda seguridad, en mi caso, del programa Flor de Pasión. 

Sonaron seguidos dos temas, un poco alejados de las principales tendencias incluidas, normalmente, en Flor de Pasión: doo wop, pop de los sesenta, pop francés e italiano,etc. Pero el programa era así, con sorpresas insólitas, muestra del eclecticismo, la sensibilidad y el buen gusto de Juan de Pablos, ese peculiar mago de las ondas.

El primer tema era Ruidos de Massiel, grabada en 1967, (cuarta canción del EP de Rosas en el mar), una canción triste muy de la época, con un aire folk y recitados, donde luce mucho la voz de la cantante que, con unos inicios deslumbrantes, creo que no llego a cuajar la gran carrera que esperaba el pop nacional.

El segundo era Dulces momentos de ayer, tema compuesto e interpretado por Juan Gabriel que estaba incluido en su album Recuerdos de 1980. Lento, entre himno y balada nostálgica, recuerda el año 1966, (en que Juan Gabriel tenía 16 años); en él se rememora el mítico local Noa Noa de Ciudad Juarez - México, en que bailaba hasta el amanecer y se divertía una generación. Era el tema que, en el album Recuerdos, precedía a El Noa Noa, que era otro de los temas del album y que se convirtió en emblemático y fijo en las actuaciones de Juan Gabriel hasta el final de sus días.

Escucho con gusto y mucha nostalgia ambas canciones a las que, como a otras muchas contenidas en esas viejas cintas no he dejado de acercarme, intermitentemente, todos estos años.

Y esa nostalgia se acrecienta, junto con cierta tristeza, en estos días en que ya no hay Flor de Pasión; repito, ya no hay Flor de Pasión.  Juan de Pablos ha anunciado que se retira después de tantos años pastoreando nuestra sensibilidad musical que es, en gran parte, la suya. 

Retirada que me resisto a creer y espero que, como los grandes viejos (y pertinaces) toreros, Juan de Pablos anuncie, en breve, su reaparición.

My Sweet Lord. George Harrison.

Para M.

Las grandes religiones comparten la costumbre de repetir el nombre de Dios. Ó, para ser más exactos, en todas las grandes religiones hay profundas costumbres y formas de repetir las oraciones a Dios. Rezos de repeticiones.

Rezos con rosarios completos o reducidos - de una estación - en el catolicismo. El rosario o mala de 64 o 100 cuentas de los hindúes. O los budistas con 108 cuentas en el 'sumerumala' o uno reducido con 27 cuentas. O los 99 nombres para llamar a Alá de los musulmanes.

Repetir las oraciones, repetir el nombre de Dios. Para conseguir encontrar a Dios;  pausada o desesperadamente. Buscando respuestas o suplicando y pidiendo. Para creer, para agradecer.

George Harrison, tras su viaje a la India en 1968, mantuvo hasta el final de su vida una actitud y unas creencias religiosas firmes. La letra de My Sweet Lord refleja el deseo a menudo declarado de Harrison de tener una relación directa con Dios, y fue redactada con una sencillez que lo hizo identificable a todos los creyentes, independientemente de su religión.

Es una canción repetitiva. A las salmodias iniciales con "My Sweet Lord", siguen dos estrofas que expresan el deseo de ver, de estar, de conocer y de ir con Dios.

I really want to see you
Really want to be with you
Really want to see you, Lord
But it takes so long, my Lord
My sweet Lord

Mm, my Lord
Mm, my Lord

I really want to know you
I really want to go with you
Really want to show you, Lord
That it won't take long, my Lord

En wikipedia se indica (sic) "Después (...) en respuesta a la repetición del título de la canción, Harrison diseñó una línea de coro cantando la alabanza «Hallelujaha», común en las religiones judía y cristiana.Más adelante en la canción, después de una pausa instrumental, el coro vuelve, aunque cantando gran parte del Mantra Hare Krishna:

Hare Krishna, Hare Krishna 
Krishna Krishna, Hare Hare 
Hare Rama, Hare Rama 
Rama Rama, Hare Hare."

Por todo ello - y, también, porque la canción es bellísima - para este buzo My Sweet Lord ha sido siempre una oración, o una repetición de oraciones. O una forma de repetir el nombre de Dios.

Y así lo ha sido especialmente en estos últimos días en los que la he repetido mentalmente y escuchado muchas veces; y en que muchas e importantes razones me han hecho ver que debemos seguir en oración, repitiendo el nombre de Dios para pedir, para agradecer y para creer. Para encontrar a Dios.

While My Guitar Gentle Weeps (Acústica). Georges Harrison.

En estos días se ha conmemorado, con bastante promoción, el 50 aniversario del Disco Blanco (The White Album) de los Beatles, cuya publicación se produjo en 22 de noviembre de 1968. 

 The White Album. 50 th Anniversary

La mayoría de las canciones del album fueron escritas durante un curso de meditación trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India, entre febrero y abril de 1968. 

Todos abandonaron Rishikesh antes de finalizar el curso. Ringo Starr fue el primero en salir, ya que no soportaba la comida; McCartney partió a mediados de marzo, mientras que Harrison y Lennon que estaban más interesados en la religión hindú permanecieron hasta abril

De todos modos, la estancia en la India resultó fructífera para el grupo ya que el retiro involucraba largos períodos de meditación y, marihuana aparte, los Beatles no llevaron consigo ninguna droga a la India y el tener sus mentes limpias ayudó al grupo con la composición de las nuevas canciones. Y lo fue especialmente, para George Harrison que, en ese 1968 tuvo un extraordinario desarrollo como compositor. 

 The White Album 

Portada de la edición original

De allí trajo Georges Harrison su extraordinario tema While My Guitar Gentle Weeps que, además de la gran valía de la letra, tal y como se grabó en el Disco Blanco, muestra una potentísima estructura musical y un tratamiento del sonido de las guitarras eléctricas que aúna contundencia en los ritmos y gran dulzura en la parte solista - interpretada por Eric Clapton - lo que da lugar a una canción prácticamente perfecta de hondura y lirismo pasmosos.

Sin embargo, el primer borrador del tema, que ahora en esta efeméride ha visto la luz, (en la edición de The White Album. 50 th Anniversary), nos muestra una canción acústica - denominada While My Guitar Gentle Weeps. Anthology 3 Versión - en que sólo la guitarra acústica y, en algunos momentos, el tenue sonido de un órgano, acompañan la voz de Georges Harrison. Sencilla y bellísima, habría valido por ella misma pero fue el germen de la maravilla que, después, se plasmó en The White Album.

Georges Harrison en 1974.

(Wikipedia)

La vuelta a While My Guitar Gentle Weeps, me ha llevado a lo que podría denominarse la Galaxia Harrison que comenzó a nacer en ese 1968. A esa galaxia hemos de volver en entregas sucesivas.

Tu la letra y yo la música. Pop! goes my heart.

Supongo que ya habrán notado mi debilidad y afición por el pop-rock de los años ochenta. Hay otra debilidad, hasta ahora no explicitada en La perplejidad del buzo, que son las comedias cienematográficas de finales de los noventa y posteriores como, en las que si hiciéramos un ranking, ahí estarían sin duda: Cuatro bodas y un funeral, Notting Hill, Mi gran boda griega, Pricesa por sorpresa, Love actually...

En la confluencia de ambas aficiones nos encontramos con una película: Tu la letra y yo la música, cuyo título original era Music and lyrics de 2007, protagonizada por Hugh Grant y Drew Barrymore. 

En wikipedia se presenta el argumento:

Alex Fletcher (Hugh Grant), una estrella de pop acabada de los años 80, se ha visto relegado a trabajar en el circuito de la nostalgia, en ferias de pueblo y parques de atracciones. Ahora tiene la oportunidad de volver a escena cuando la diva pop del momento, Cora Corman (Haley Bennett), le invita a componer y grabar un dúo con ella. Pero hay un problema: Alex no ha escrito ninguna canción desde hace años, jamás ha escrito letras y tiene tan sólo unos días para escribir una canción de éxito. Sin embargo, Sophie Fisher (Drew Barrymore), la simpática muchacha que le cuida las plantas, posee un don de la palabra que llama la atención del compositor.

Pues bien, el grupo pop de los ochenta en la película, se llamaba PoP! y habría tenido el superéxito  Pop! goes my heart, que es una canción paródica pero muy resultona y el videoclip que habrían grabado en 1984 es, sencillamente descacharrante. 

El tema viene firmado por Andrew Wyatt, inquieto hombre de música, que hoy para como cantante del grupo sueco Miike Snow. Hay que ser muy buen músico y tener mucho oficio para inventar en 2007 Pop! goes my heart, una canción pop tan conseguida y perfecta para la película. 

Hugh Grant es el principal intérprete de la canción en el grupo PoP. Lo hace bien y es muy creible. También en su "famoso" golpe de cadera con el que baila los temas que interpreta en la película.

Tu la letra y yo la música es casi un canto del cisne de este tipo de cine que ya, desgraciadamente, parece no tener éxito y actualmente apenas se hacen películas de este tipo. Hugh Grant borda su eterno personaje de galán guapo y patoso, esta vez como cantante y compositor al que se le ofrece una oportunidad única para volver a brillar en el mundo de la música pop. Y, como no, una nueva oportunidad en el amor; con Drew Barrimore, ésta menos creible, que le escribe la letra de las canciones. Y todo acaba bien.

La otra canción estrella es A Way Back into Love, melódica y blandita, que es el eje argumental de la película, que por otra parte, funciona muy bien retratando el mundo y la vida de una antigua estrella pop ganándose la vida en actuaciones de medio pelo en convenciones y parques de atracciones. 

Muy recomendable para personas sencillas.

Feliz Navidad (sin sol) y la Orquesta Mondragón

Yo no quería pero ha sido irremediable. Buscaba una canción de navidad original para felicitar el año en La perplejidad del buzo y en una de esas listas de los mejores etc., etc. apareció (y reencontré) "esto": Feliz navidad (sin sol) de la Orquesta Mondragón que sólo tiene de christma o villancico el título.

Es de la época más brillante y degenerada de la Orquesta Mondragón a mediados de los ochenta y la letra es de Luis Alberto de Cuenca. En la web dónde la encontré (era una lista de título Rock on Christmas Extravaganza Vol.2, e iba justo detrás de “Wonderful Christmas Time” de Paul McArtney), dicen:

La incomparable Orquestra Mondragón siempre se caracterizó por combinar pegadizas melodías con oscuros y delirantes textos cargados con referencias de lo más mórbidas. Para este tórrido hit extraido de su álbum ‘¡Es La Guerra!’ (1984), Gurruchaga y los suyos recreaban la (real) historia un camarero cubano enterrado en vida -por equivocación- en la Nochebuena de 1962. “¿Para qué voy a salir? No está mal este ataud. Fuera todo esta fatal… ¡Qué olor!”, exclamaba el moribundo protagonista de la tonada antes de celebrar unas aterradoras Navidades sin sol. ¡Viva Mondragón! 

Ya comprendo que es una elección bastante impropia; pero se me ha metido en la cabeza, no ha habido forma de sacarla y se ha convertido, a mi pesar, en el villancico del año.

Así que no me queda más remedio que desearles una Feliz Navidad (sin sol) y un próspero año nuevo 2018; y que llueva.

Refugee (1979); adiós a Tom Petty

Don McLean dedicó a Buddy Holly, en el inolvidable American Pie, el verso The Day the Music Died.

Tom Petty en 2016 ( de Wikipedia)

Me acuerdo de ese verso, en este octubre en que ha fallecido - el día 2 - Tom Petty. Hombre de música y artista de muy largo recorrido, su rock, su gran pop-rock, ha estado vigente más de cuarenta años, desde sus comienzos en 1976 con su grupo The Heartbreakers.

Dos semanas después de su adiós, repasando muchas de sus canciones y recordando, también, su paso por los Traveling Wilburys y la energía de sus últimos años; este octubre hemos vuelto a encontrarnos con "el día que murió la música".

En 1979 grabó el album Damn the Torpedoes, con lo que, en ciertos círculos, comenzó a sonar y a hacerse algo popular en nuestro país. Entre las 20 mejores canciones de 1980 del programa Domino de Gonzalo Garrido, se encontraba Refugee, que sigue sonando prodigiosamente en este octubre de 2017.